• Découvrez la biographie de Jean FERRAT



    Artiste, Chanteur, Musicien et Parolier (Francais)
    Né le 26 décembre 1930
    Décédé le 13 mars 2010 (à l'âge de 79 ans)


    Jean Ferrat, de son vrai nom Jean Tenenbaum, est un écrivain-parolier, musicien-compositeur et chanteur-interprète français, né le 26 décembre 1930 à Vaucresson (Hauts-de-Seine) et mort le 13 mars 2010 à Aubenas[ en Ardèche.

    Dernier de quatre enfants d'une famille modeste qui s'installe à Versailles en 1935, il poursuit ses études au Collège Jules Ferry où il rencontre son ami d'enfance François Chabbey. Son père est joaillier et sa mère fleuriste. Durant la guerre, son père, qui est juif[2], est déporté par les nazis et meurt à Auschwitz. Jean Ferrat a onze ans quand il perd son père, il est alors caché par des militants communistes.

    À quinze ans, il doit donc quitter le lycée pour travailler afin d'aider financièrement sa famille. Il commence en même temps des études de chimie et devient aide-chimiste jusqu'en 1954.

    Attiré par la musique et le théâtre, il entre dans une troupe de comédiens au début des années 1950, compose quelques chansons et joue de la guitare dans un orchestre de jazz. Il passe sans grand succès quelques auditions, fait des passages au cabaret sous le nom de Jean Laroche, et, ne se décourageant pas, décide de se consacrer exclusivement à la musique. Le jeune guitariste prend ensuite pour pseudonyme Frank Noël, avant d'opter pour Jean Ferrat (d'après la ville Saint-Jean-Cap-Ferrat).

    En 1956, il met en musique Les yeux d'Elsa, poème de Louis Aragon dont il est un admirateur. C'est André Claveau, alors en vogue, qui interprète la chanson et apporte à Jean Ferrat un peu de notoriété. Il se produit alors au cabaret parisien La Colombe de Michel Valette, en première partie de Guy Béart.


    En 1958, il sort chez Vogue son premier 45 tours, mais ne rencontre guère de succès. Une jeune chanteuse, Christine Sèvres, reprend quelques-unes de ses chansons. Il l'épousera en 1961. C'est la rencontre en 1959 de Gérard Meys, qui deviendra son éditeur et son ami, qui relance sa carrière, il signe chez Decca et, l'année suivante, sort son second 45 tours avec la chanson Ma Môme, qui est son premier succès et passe sur les radios. En 1966, le succès étant venu pour Ferrat, Vogue rééditera ce 45t sous le label Pop4, label à bon marché destiné à la grande distribution de l'époque, comme Prisunic.

    Sa rencontre avec Alain Goraguer, qui signera ses premiers arrangements sous le pseudonyme de Milton Lewis, sera par ailleurs décisive. Ce dernier deviendra ensuite l'arrangeur attitré des chansons de Jean Ferrat.

    Son premier 33 tours sort en 1961 et reçoit le prix de la SACEM. Il entame alors une longue carrière, émaillée de difficultés avec la censure. En effet, Jean Ferrat a toujours été un chanteur engagé. Il écrira ses textes ou mettra en musique ceux de ses amis poètes, Henri Gougaud, Georges Coulonges ou Guy Thomas (voir la section discographie pour la suite).

    En 1962, il fait la connaissance d'Isabelle Aubret. Un véritable coup de foudre amical a lieu entre les deux artistes. Ferrat lui écrit Deux enfants au soleil, un des titres majeurs de la chanteuse, et lui propose la première partie de la tournée qu'il démarre alors. Il compose une chanson sur des paroles écrites par Philippe Pauletto qu'il publie en 1970, et qui sera ensuite interprétée aussi par Isabelle Aubret : Tout ce que j'aime.

    Il a aussi composé une chanson sur des paroles de Michelle Senlis pour Jacques Boyer et Jean-Louis Stain au début des années 1960 et qui sera, dans les années 1970, réécrite partiellement et interprétée par Daniel Guichard : Mon vieux.

    Jean Ferrat habitait dans la commune d'Antraigues-sur-Volane (près de Vals-les-Bains) en Ardèche, qui lui inspirera d'ailleurs la chanson La Montagne. Il était marié à Christine Sèvres (de son vrai nom : Jacqueline Christine Boissonnet) décédée en 1981 à l'âge de 50 ans. Ils ont chanté en duo la chanson La Matinée.

    Jean Ferrat meurt le 13 mars 2010 des suites d'un cancer à l'hôpital d'Aubenas, où il avait été admis quelques jours auparavant.

    Compagnon de route du PCF sans jamais en avoir été membre, il a rapidement pris ses distances avec Moscou. Dans la chanson Camarade, il dénonce l'invasion russe de Prague en 1968. Opposé à l'orientation pro-soviétique prise à l'issue du vingt-troisième congrès du Parti communiste en 1979, il fustige dans la chanson Le Bilan, la déclaration de Georges Marchais, secrétaire général du PCF qui avait évoqué en 1979 un bilan globalement positif des régimes dits socialistes. Il apportera néanmoins son soutien à Georges Marchais lors des élections présidentielles de 1981, expliquant quelques années plus tard, dans la chanson Les Cerisiers (1985), les raisons pour lesquelles il était demeuré fidèle à la mouvance communiste[4].

    Il accuse le système commercial qui fait passer les considérations financières avant la chance donnée aux artistes créatifs. Publiant des lettres ouvertes aux différents acteurs de la vie culturelle, présidents de chaînes, ministres, il dénonce une programmation qui selon lui privilégie les chansons « commerciales » aux créatifs.

    Il était membre du comité de parrainage de la Coordination française pour la Décennie internationale de la promotion d'une culture de non-violence et de paix

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    Albums
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    * Nov. 1961 : Deux enfants au soleil (25 cm)
    * Nov. 1962 : La Fête aux copains (25 cm)
    * Déc. 1963 : Nuit et Brouillard "Nacht und nebel " instaurée en 1941 par le décret de Wilhelm Keitel (25 cm)
    * Déc. 1964 : Berceuse (25 cm)
    * Déc. 1965 : Potemkine (30 cm)
    * Déc. 1966 : Maria
    * Déc. 1967 : À Santiago (ou Cuba si)
    * Mars 1969 : Ma France (ou Au printemps de quoi rêvais-tu ?)
    * Déc. 1969 : Camarade
    * Fév. 1971 : Aimer à perdre la raison (ou La Commune)
    * Nov. 1971 : Ferrat chante Aragon
    * Mars 1972 : À moi l'Afrique
    * Déc. 1975 : La femme est l'avenir de l'homme
    * Déc. 1976 : Premières chansons - Nouvel enregistrement
    * Avril 1979 : Les Instants volés (ou Enregistrement 1979)
    * 1980 : Une dizaine des premiers albums sont réenregistrés en 1979 et publiés en même temps en 1980
    * Nov. 1980 : Ferrat 80
    * Nov. 1985 : Je ne suis qu'un cri
    * Nov. 1991 : Dans la jungle ou dans le zoo (ou Ferrat 91)
    * Oct. 1994 : Ferrat 95 16 nouveaux poèmes d'Aragon
    * Déc. 2002 : Ferrat en scène

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    Principaux 45 T EP
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    * Sept. 1958 : Les Mercenaires
    * Déc. 1960 : C'était Noël (sous le nom de Noël Frank)
    * Déc. 1960 : Ma môme
    * Déc. 1961 : Eh ! l'amour
    * Déc. 1963 : Les Enfants terribles
    * Mars 1965 : B.O.F. La Vieille Dame indigne (3 titres chantés)
    * Mai 1965 : B.O.F. Le Coup de grâce (1 seul morceau chanté : Les beaux jours)
    * Sept. 1972 : Mon palais

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    Principales compilations
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    * 1968 : 10 Grandes Chansons de Jean Ferrat
    * 1992 : Les Années Barclay : Best of Jean Ferrat
    * 1992 : Coffret Les Années Barclay (5 cd)
    * 1995 : Ses 24 premières chansons (rééd. 1998 Deux enfants au soleil), Magic records. Intégrale 1960-1962 sauf l'EP Noël Frank
    * 2000 : Coffret Ferrat 2000 (11 cd Temey, avec un livre des textes des chansons)
    * 2001 : Ma France
    * 2003 : Jean Ferrat 1969-1970-1971-1972
    * 2003 : Coffret Jean Ferrat (6 cd Barclay, 130 chansons)
    * 2007 : Jean Ferrat 1970-1971
    * 2008 : Les 50 plus belles chansons (3 cd Barclay)
    * 2009 : Les n° 1 de Jean Ferrat
    * 2009 : Best of 3 CD (57 chansons Barclay)

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    Morceaux isolés
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    * Nov. 1972 : Chanson Prière du vieux Paris sur l'album collectif Première partie du spectacle de Jean Ferrat au Palais des Sports 1972 (33 T 30 cm Temey, enregistré en studio)


    HEUREUX CELUI QUI MEURT D'AIMER
    Poème de Louis Aragon



    O mon jardin d'eau fraîche et d'ombre
    Ma danse d'être mon coeur sombre
    Mon ciel des étoiles sans nombre
    Ma barque au loin douce à ramer
    Heureux celui qui devient sourd
    Au chant s'il n'est de son amour
    Aveugle au jour d'après son jour
    Ses yeux sur toi seule fermés

    Heureux celui qui meurt d'aimer
    Heureux celui qui meurt d'aimer

    D'aimer si fort ses lèvres closes
    Qu'il n'ait besoin de nulle chose
    Hormis le souvenir des roses
    A jamais de toi parfumées
    Celui qui meurt même à douleur
    A qui sans toi le monde est leurre
    Et n'en retient que tes couleurs
    Il lui suffit qu'il t'ait nommée

    Heureux celui qui meurt d'aimer
    Heureux celui qui meurt d'aimer

    Mon enfant dit-il ma chère âme
    Le temps de te connaître ô femme
    L'éternité n'est qu'une pâme
    Au feu dont je suis consumé
    Il a dit ô femme et qu'il taise
    Le nom qui ressemble à la braise
    A la bouche rouge à la fraise
    A jamais dans ses dents formée

    Heureux celui qui meurt d'aimer
    Heureux celui qui meurt d'aimer

    Il a dit ô femme et s'achève
    Ainsi la vie, ainsi le rêve
    Et soit sur la place de grève
    Ou dans le lit accoutumé
    Jeunes amants vous dont c'est l'âge
    Entre la ronde et le voyage
    Fou s'épargnant qui se croit sage
    Criez à qui vous veut blâmer

    Heureux celui qui meurt d'aimer
    Heureux celui qui meurt d'aimer


     


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  • Louis Armstrong



    Louis Armstrong Surnom : Satchmo, Satchel Mouth
    Nationalité : américaine
    Naissance : 04 août 1901
    Mort le : 06 juillet 1971

    Label : Decca
    Genre musical : Jazz
    Écoutez Louis Armstrong sur : Playlist 007
    Si le trompettiste, cornettiste, mais aussi chanteur de scat, Louis Armstrong, reste le plus connu des jazzmen de la Nouvelle-Orléans (avec Sydney Bechet), c'est certainement grâce à son incroyable sens du spectacle et de l'entertainment, allié à un charisme incomparable. Trompettiste virtuose et improvisateur de talent, Armstrong sut mieux que tout autre, et ce, tout au long de sa carrière, marier art populaire et esprit aventureux. Des qualités qui firent de lui le grand monsieur du jazz que l'on sait, celui qui donna au genre ses lettres de noblesse



    Fils d'une fille mère (son père abandonna sa famille lorsqu'il n'était encore qu'un jeune enfant), Louis Daniel Armstrong doit se faire tout seul. Une enfance dans les quartiers difficiles lui vaudra de nombreuses arrestations, et ce, avant même sa majorité. Errant de par les rues de la ville, Louis est très souvent envoyé au Home for Colored Waifs, une institution pour enfants abandonnés. Par chance, sa curiosité lui vaudra d'apprendre à jouer du cornet à pistons dans un orchestre du centre ville. Son enfance lui vaudra également d'assister très souvent aux parades des brass-bands d'alors, ces fanfares qui préfigurèrent le jazz. Le trompettiste Geary "Buck" Johnson, comparse de Sydney Bechet lui apprendra les rudiments du cornet et sa rencontre avec un autre cornettiste, le grand Joe "King" Oliver, qui le prend véritablement sous son aile, marquera le début de sa carrière. Il jouera sur les bateaux qui remontent le Mississipi ainsi que dans l'orchestre de Fate Marable. Au départ d'Oliver pour Chicago en 1919, Louis Armstrong prend sa place au sein du band de "Kid" Ory, alors considéré comme le meilleur orchestre de hot jazz de La Nouvelle-Orléans.
    En 1922, il part à Chicago et incorpore le fameux Créole Jazz Band de King Oliver à la demande de celui-ci. Alors trompettiste débutant, Louis Armstrong, surnommé Satchmo (ou Satchel Mouth soit "bouche en forme de sacoche", à cause de sa large bouche) n'en imposera pas moins rapidement son style au point de véritablement initié l'importance du rôle du soliste dans un orchestre de jazz. Pressé par sa femme (Lile Hardin, une pianiste renommée), il monte à New York et enregistre beaucoup (notamment des duos avec Sydney Bechet, autre virtuose de l'époque et direct concurrent). Il retourne donc à Chicago en 1925, période où il enregistre de nombreux succès comme Muggles et surtout West End Blues, sous son propre nom accompagné par les Hot Five et les Hot Seven. Son dynamisme et ses improvisations le placent alors parmi les artistes populaires les plus célèbres de son temps.
    Mais Satchmo à la bougeotte. Les sirènes new yorkaises n'ont pas fini de chanter pour lui et il repart à New York en 1929, puis à Los Angeles peu de temps après. Cette année là, il effectue également sa première tournée en Europe. Malheureusement, en 1935, une blessure à la bouche (il se rompt un muscle labiale) met un frein à cette carrière en plein essor. Il prend, malgré lui, un congé d'un an et ne retrouvera jamais l'aisance avec lequel il jouait de son instrument fétiche, la trompette. Après de folles années de tournées, il est contraint de s'installer à New York, dans le Queens. Nous sommes en 1943.
    Ce n'est pas pour autant la fin du grand Satchel Mouth, et pendant plus de trente ans, Armstrong donnera plus de 300 concerts par an ! Cependant, la conjoncture de crise touchant les grands orchestres, il est obligé de se produire en sessions réduites. Dans les années 50, Louis Armstrong joue avec plusieurs formations restreintes, composées de membres de son ancien big band. Il apparaît dans plus de 30 films et enregistre le fameux "Hello Dolly" en 1964, un morceau qui doit beaucoup à son accident labial puisqu'à cause de lui, Armstrong s'est lancé depuis quelques années dans le scat, une forme de chant syncopé dont les meilleurs moments préfigurent le rap actuel.
    Pour beaucoup, Louis Armstrong joue le rôle du sympathique Oncle Tom, le noir humble, chaleureux et peu revendicatif. Cela lui vaudra d'être malmené par ses coreligionnaires afro-américains durant le combat pour les droits civiques des années 60. Satchmo n'en a cure, après une carrière bien remplie au cours de laquelle il donna au jazz l'envergure d'une véritable culture internationale, il s'éteint à 69 ans en 1971, après un show triomphal au mythique Waldorf Astoria. Et c'est ce mythe, et cet héritage, que l'on voudra bien garder de lui.


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  • BOB MARLEY : SA BIOGRAPHIE

    La légende rasta !

    Bob Marley est né à Nine Mile en Jamaïque, le 6 février 1945. Sa voix hors du commun douce et tranquille s'inspirant du rastafarisme en fait le principal ambassadeur du Reggae. Il est connu pour des tubes tels que No woman no cry, I shot the sheriff, etc. Il meurt prématurément en 1981.



    Vingt-cinq ans après sa disparition, Bob Marley reste une des principales icônes du monde contemporain. Sa musique n’a pas vieilli et passe toujours sur les ondes du monde entier, réussissant le pari de séduire les spécialistes du reggae et du dancehall, et les amateurs de bonne musique.



    Bob Marley est né le 6 février 1945 à Saint Ann (Jamaïque) d'une mère jamaïcaine et d'un père anglais capitaine dans la marine qu'il n'a jamais connu. Il grandit dans le milieu pauvre du ghetto de Trenchtown à Kingston où il s’intéresse très tôt à la musique. En 1961, il enregistre son premier titre qui ne rencontre aucun succès, mais Bob Marley continue à y croire et à répéter. Il est un bourreau de travail, usant les musiciens par ses répétitions incessantes et son caractère jamais satisfait.



    En 1964, il fonde avec Peter Tosh et Bunny Wailer, le groupe qui sera connu plus tard sous le nom de "The Wailers". Le groupe signe un contrat avec une maison de production et commence à produire des morceaux, mais Bob Marley, qui a besoin d'argent, part travailler aux Etats-Unis où il suit des cours de théologie. En 1968, il retourne en Jamaïque, plus décidé que jamais et commence à acquérir une certaine réputation grâce à son charisme, sa voix tendue et expressive, et ses textes engagés.



    Le groupe signe avec le label Island et sort ses premiers albums au début des années 70, Catch a Fire et Burnin'  en 1973. Rapidement, Bob Marley le principal compositeur du groupe se fait remarquer, et en 1974 il enregistre son premier album solo Natty Dread et même si la pochette de l'album mentionne toujours les Wailers, force est de reconnaître que la formation à énormément changé avec notamment le départ de Tosh et Wailer.



    Le succès est au rendez-vous, Bob n'enregistrera plus qu'en solo, devenant le porte-parole du reggae qu’il fait connaître dans le monde entier. Les albums s'enchaînent (Rastaman Vibration en 1976, Exodus en 1977, Kaya en 1978...) et le succès ne se dément pas. Mais en 1978, Bob Marley apprend qu'il est atteint d'un cancer. Il supporte sa maladie pendant trois ans sans trop s'en soucier et continue à se produire en concerts et à enregistrer des titres qui composent ses deux derniers albums Survival (1979) et Uprisin (1980). Sur ce dernier des titres comme Forever Loving Jah et Redemption Song constituent des chants d'adieu de Bob à son public.


    C'est le 11 Mai 1981 que Bob Marley s'éteint à Miami. Depuis la légende entamée de son vivant se perpétue et gagne de nouveaux publics.


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  • Biographie de Serge GAINSBOURG :


    Artiste, Chanteur, Compositeur et Musicien (Francais)
    Né le 02 avril 1928
    Décédé le 02 mars 1991 (à l'âge de 62 ans)


    Dans Gainsbourg, il y a tout. La poésie, l'humour, la provoc, le désespoir, l'amour, le sexe, l'alcool... Gainsbourg, c'est nous tous. Sans faux-nez, beau et laid à la fois. Et puis, il y a le jazz, la java...naise, le reggae, le rock, le funk... Du "Poinçonneur des Lilas" à "Love on the Beat", il a tout compris. Personnalité singulière de la culture française, Serge Gainsbourg fut bien plus qu'un chanteur. Musicien, compositeur, poète, écrivain, acteur, réalisateur, peintre, " l'homme à la tête de chou " fut avant tout un immense mélodiste et un auteur de génie qui savait manier la langue française avec un talent très personnel. Le 2 avril 1928, naissent à Paris Lucien Ginzburg et sa soeur jumelle, Lilianne. Leurs parents, Joseph Ginzburg et son épouse, Olia Bessman, se sont installés à Paris en 1919 après avoir fuit la Russie via Istambul. A leur arrivée en France, leur premier fils Marcel meurt d'une pneumonie à seize mois. Puis en 1927, était née une fille, Jacqueline.

    Joseph, juif ashkénaze, est musicien et peintre. Plutôt pianiste classique, il devient à Paris musicien de jazz dans les bars et les boîtes de nuit à la mode. Son fils, Lucien, se met au piano très jeune, et suivant les traces de son père, se forme au classique puis au jazz, par l'intermédiaire des ouvres de George Gershwin. Une rencontre avec la grande vedette de l'époque, Fréhel, en 1938, laisse un souvenir inoubliable au jeune garçon et influencera certainement son intérêt pour la chanson.

    Pendant la guerre, la famille Ginzburg se réfugie en zone libre, vers Limoges. En 1945, après le retour dans la capitale, Lucien entre au lycée Condorcet dont il est renvoyé assez rapidement. Pratiquant le dessin et la peinture depuis longtemps, Lucien intègre donc l'école des Beaux-Arts. Lucien est obnubilé par la peinture et travaille énormément dans le but de réussir le chef-d'oeuvre qui le ferait entrer dans le cercle étroit des génies tels Goya ou Picasso. Mais éternellement insatisfait de son travail, il en gardera toujours un complexe.

    Pour gagner sa vie, Lucien joue du piano dans les bars où son père bénéficie d'une petite notoriété. Mais surtout, à cette époque, il découvre le jazz. En 1947, il rencontre Elisabeth Levitsky, fille d'aristocrates russes, qui devient sa compagne jusqu'à leur mariage le 3 novembre 1951. Il reprend alors l'enseignement du dessin qu'il avait déjà un peu pratiqué, et s'occupe également d'une chorale.

    En 1954, Lucien dépose six chansons à la SACEM (Société des auteurs compositeurs) dont deux seulement seront sauvées de l'oubli : "Défense d'afficher" chantée par Pia Colombo en 1959 et "Les amours perdues" qu'il offre à Juliette Gréco en 1961. Sous le pseudonyme de Julien Grix, il continue à écrire pour la revue d'un cabaret de travestis, "Chez Madame Arthur". Entre 1954 et 1957, il joue également du piano tous les étés dans un club du Touquet, période d'apprentissage intense pour ce pianiste autodidacte.

    Séducteur infatigable, Lucien Ginzburg s'éloigne de son épouse dont il finit par divorcer en octobre 1957. 1958 est une année essentielle de la carrière de Serge Gainsbourg qui commence par prendre ce nouveau nom. Il choisit Gainsbourg en hommage au peintre anglais Gainsborough, et Serge qui souligne ses origines russes.

    Cette année-là, Serge Gainsbourg va choisir de détruire tout son travail de peintre et d'arrêter définitivement la peinture. Son père lui trouve une place de pianiste-guitariste au cabaret "Milord l'arsouille" où il accompagne la chanteuse Michèle Arnaud. Il va alors rencontrer Boris Vian, auteur-compositeur, écrivain et trompettiste de jazz. De cette rencontre, va naître chez Gainsbourg un vrai goût pour la composition. Partageant le même humour cynique et le sens aigu de la dérision que Vian, Serge Gainsbourg va se sentir plus libre pour écrire et surtout chanter ses propres textes.

    Dès ses débuts, son style ne laisse personne indifférent. Il provoque soit le rejet soit l'enthousiasme. Denis Bourgeois, qui travaille pour le directeur artistique, Jacques Canetti, le remarque et lui propose d'enregistrer une maquette. Quelques jours plus tard, Serge Gainsbourg signe chez Philips, label qu'il n'a jamais quitté.

    Avec l'arrangeur de Boris Vian, Alain Goraguer, Serge Gainsbourg compose son premier disque qui sort quelques mois plus tard sous le nom de "Du chant à la une !". Malgré des critiques sévères, l'album obtient en 1959 le Grand Prix de l'Académie Charles Cros, prestigieuse récompense musicale, grâce en particulier au titre "Le poinçonneur des Lilas", grand classique du répertoire de Gainsbourg. Suite à la dureté des attaques contre Gainsbourg lors de la parution de ce premier disque, Boris Vian, quelques mois avant sa mort, va signer un article dithyrambique dans le journal satyrique, Le Canard Enchaîné.

    En dépit donc, d'une certaine hostilité générale, mais qui n'est pas pour lui déplaire, Serge Gainsbourg est très vite reconnu comme un auteur novateur. Son deuxième album 25cm (format de l'époque), est un échec. Mais Gainsbourg commence à écrire beaucoup pour les autres, et en particulier pour Juliette Gréco, qui le choisit pour renouveler son répertoire.

    Toujours en 59, Serge Gainsbourg croise Brigitte Bardot sur le tournage du film "Voulez-vous danser avec moi ?" réalisé par Michel Boisrond. La carrière d'acteur de Gainsbourg restera balbutiante, mais le cinéma sera cependant très présent dans sa vie. Dès cette année-là, il signe d'ailleurs sa première musique de film pour "L'eau à la bouche" de Jacques Doniol-Valcroze.

    En 1961, son troisième album, "L'étonnant Serge Gainsbourg" fait une grande place à son amour de la littérature. Dans "La chanson de Maglia", il évoque Victor Hugo, et dans "La chanson de Prévert", il chante le grand poète français. Ce titre sera reprise immédiatement par de nombreux artistes dont Mouloudji ou la Québécoise, Pauline Julien. A cette époque, Gainsbourg passe sur la scène du music-hall parisien, l'Olympia, d'abord comme invité de Jacques Brel, puis de Juliette Gréco. Il fait également quelques tournées en Belgique et en Suisse.

    Tout en continuant de travailler pour les autres et d'élargir le cercle de ses interprètes, il sort à peu près un album par an en tant qu'interprète. En 1963, c'est à Londres que Serge Gainsbourg enregistre un 45 tours de quatre titres, parmi lesquels "la Javanaise", autre titre essentiel de son répertoire et que Juliette Gréco reprend la même année sur un de ses disques. Visionnaire et précurseur, Gainsbourg cherche à Londres, un son plus moderne que ce qui est produit dans les studios français. Pendant une dizaine d'années, il continuera souvent à travailler outre-Manche.

    En octobre 63, Serge Gainsbourg passe pour la première fois en vedette à l'Olympia entouré de deux musiciens de jazz, le contrebassiste Michel Gaudry, et le guitariste tzigane, Elek Bacsik. C'est le même trio que l'on retrouve sur le quatrième album de Gainsbourg, et le premier en format 30cm, qui sort en 1964, "Gainsbourg Confidentiel".

    Le 7 janvier 1964, Serge Gainsbourg se marie pour la seconde fois avec Françoise-Antoinette Pancrazzi, que tout le monde appelle Béatrice, et le 8 août naît son premier enfant, une petite Natacha. A la fin de l'année, sort l'album "Gainsbourg Percussions". Après l'ambiance jazzy du précédent, Gainsbourg s'inspire cette fois des rythmes afro-cubains assez à la mode à cette époque, mais dont il fait un usage moins "folklorique" que d'habitude. Deux titres de cet album restent célèbres : "Couleur Café" et "New York USA", titre pour lequel il s'est inspiré d'un chant traditionnel sud-africain.

    Nous sommes au début des années 60, et le paysage musical est inondé par la vague yéyé. Elle balaie un peu la chanson traditionnelle dont Gainsbourg fait encore partie, du moins aux yeux de la jeunesse qui ne se reconnaît pas vraiment dans cet artiste qui lui semble encore trop intellectuel. En dépit d'une période de doute, Serge Gainsbourg va pour la première fois prouver son immense sens d'adaptation en matière de courants musicaux. Par l'intermédiaire de Denis Bourgeois, qui l'avait découvert en 1958, Serge Gainsbourg va rencontrer une toute jeune chanteuse de 16 ans, France Gall. Il lui écrit quelques titres, mais c'est la chanson "les Sucettes" qui scellera leur collaboration. Gainsbourg entre alors dans les hit-parades et concurrence les plus gros tubes de l'époque. Son auditoire s'élargit, se rajeunit, et sa notoriété ne fait qu'augmenter. En 1965, le titre "Poupée de cire, poupée de son", toujours interprété par France Gall, remporte le Prix Eurovision de la chanson.

    Actrices et chanteuses se disputent ses compositions et Gainsbourg écrit à cette époque pour Régine ("Les p'tits papiers"), pour Valérie Lagrange, pour les anglaises Petula Clark ("La gadoue") et Marianne Faithfull, pour Dalida, et pour l'actrice Mireille Darc. Il retrouve même Brigitte Bardot pour qui il écrit un 45 tours de quatre titres.

    En février 1965, la chanteuse Barbara lui propose de faire une série de concerts avec elle, mais devant l'hostilité du public, Serge Gainsbourg décide de cesser cette collaboration. Il ne remontera pas sur scène avant 1979.

    En 1966, le metteur en scène Pierre Koralnik souhaite réaliser une comédie musicale, et s'adresse à Serge Gainsbourg. Avide de nouvelles expériences, Gainsbourg se lance dans l'écriture de "Anna", qui réalisée pour la télévision et diffusée en janvier 1967, sera une des premières émissions en couleurs. Interprète principale de l'histoire, la comédienne d'origine danoise, Anna Karina, chante le titre phare du film, "Sous le soleil exactement".

    Divorcé de sa femme, Serge Gainsbourg s'installe en février 1966 à la Cité internationale des Arts où vivent des artistes du monde entier. Malgré son statut de vedette, il va vivre deux années dans cette petite chambre d'étudiant. Il renoue cependant avec Béatrice en 67, et au printemps 68 naîtra un deuxième enfant de ces retrouvailles éphémères, Paul, enfant qui ne connaîtra jamais vraiment son père.

    Durant l'été 67, Serge Gainsbourg tourne "Ce sacré grand-père" avec Michel Simon, film dont est tiré un duo entre les deux hommes, "L'herbe tendre". Durant les années 60 et 70, on verra beaucoup Serge Gainsbourg sur les écrans de cinéma et de télévision, bien que les films auxquels il va participer soient dans l'ensemble peu mémorables. En 1968, il partage l'affiche avec un autre monument du cinéma français, Jean Gabin, dans le film de Georges Lautner, "Le Pacha". Il en écrit également le thème principal, "Requiem pour un c.".

    A l'automne, les routes de Brigitte Bardot et de Gainsbourg se croisent à nouveau, mais cette fois, ils ne vont plus se quitter pendant plusieurs mois. Une émission de télévision consacrée à la star est en préparation et, à cette occasion, Serge Gainsbourg écrit de nombreux titres qui donnent lieu chacun à une mise en scène particulière dans le "Show Bardot" diffusé le 1er janvier 1968. "Harley Davidson", "Comic strip" ou le duo de "Bonnie and Clyde" sont immortalisés par une Bardot alors au sommet de sa notoriété. Gainsbourg écrit aussi un titre qui va engendrer un énorme scandale, "Je t'aime moi non plus". Bien qu'enregistré à l'époque par le couple, cette version restera inédite jusqu'en 1986. Alors mariée au milliardaire Gunther Sachs, Bardot demande à Gainsbourg de ne pas sortir cette chanson, souhait qu'il respectera. Cette version n'apparaît donc pas sur les deux albums renfermant des duos du couple Gainsbourg-Bardot, "Bonnie and Clyde" et "Initials BB".

    Serge Gainsbourg, qui continue toujours à écrire pour les autres, compose en 1968 deux titres pour la jeune chanteuse Françoise Hardy, issue de la vague yéyé. Elle enregistre un 45 tours deux titres avec "L'anamour" mais surtout "Comment te dire Adieu". En 1968, Serge Gainsbourg rencontre celle qui va désormais marquer sa vie professionnelle et personnelle, Jane Birkin. Jeune comédienne anglaise née en 1946, Jane Birkin rencontre Gainsbourg sur le tournage du film de Pierre Grimblat, "Slogan". Un couple légendaire se forme alors.

    Dès novembre 1968, Jane enregistre à Londres quatre titres de Serge Gainsbourg, "L'anamour", "69 année érotique", "Jane B", mais surtout une nouvelle version de "Je t'aime moi non plus". Comme la première fois, avec Bardot, le scandale éclate mais cette fois, le disque est commercialisé et la version de Gainsbourg-Birkin devient célébrissime. Cependant, de nombreux pays interdisent le titre et Gainsbourg lui-même décide de le retirer du premier album qu'il sort avec sa nouvelle compagne.

    A la fin des années 60, Serge Gainsbourg est le français qui s'exporte le mieux. Ses disques et ceux de ses interprètes se vendent en Europe mais aussi outre-Atlantique. Le couple s'installe dans l'hôtel particulier que Serge Gainsbourg vient d'acquérir rue de Verneuil dans le 6ème arrondissement de la capitale. Au printemps 69, ils partent au Népal pour tourner le film d'André Cayatte, "Les chemins de Katmandou", dont Gainsbourg compose la musique. Dès l'arrivée de Jane Birkin, son travail pour d'autres interprètes (féminines), et pour lui-même, se ralentit. Gainsbourg préfère se consacrer à sa vie personnelle stabilisée, et suit sa compagne sur la plupart de ses tournages.

    En 1971, Gainsbourg écrit "Melody Nelson", album entièrement conçu autour de Jane Birkin, et arrangé par Jean-Claude Vannier. Le disque est un énorme succès public et la critique parle de "chef-d'oeuvre". Le 22 avril 1971, meurt Joseph Ginzburg. Jusqu'à ses derniers mois, le père de Serge Gainsbourg était resté très attentif à la carrière de son fils et accordait une grande importance à son travail. Trois mois plus tard, le 21 juillet 1971, Jane Birkin accouche à Londres d'une petite Charlotte. A la fin de l'année, Gainsbourg écrit la revue que la chanteuse et danseuse Zizi Jeanmaire, doit présenter au Casino de Paris. En tant qu'interprète, il sort également un 45 tours qui une fois encore, fait scandale, "La décadanse". Après avoir célébré "Melody Nelson", la presse retrouve envers Gainsbourg, des termes acerbes et sévères, et parle de "mauvais goût".

    En 72, Gainsbourg collabore pour la première fois avec le chanteur Jacques Dutronc, puis écrit à nouveau pour Régine et pour France Gall. En 1973, il compose pour Françoise Hardy, mais cette année-là, son travail se partage surtout entre son propre album "Vu de l'extérieur", et le premier album de Jane Birkin, "Di Doo Dah". En mai, Serge Gainsbourg fait une crise cardiaque.

    C'est à cette époque que Serge Gainsbourg commence à présenter une image qui ne fera que s'accentuer jusqu'à sa mort, celle d'un homme mal rasé, buveur, fumeur, et provocateur. Bien qu'il continue de sortir des disques et d'écrire, il ne vend pas beaucoup tout en restant cependant une référence de la chanson française. L'attitude publique de Gainsbourg va le rendre à partir de cette époque de plus en plus populaire parmi la jeunesse, qui dans les années 70, puis 80, se reconnaîtra dans cet homme qui n'hésite pas à braver les convenances.

    Durant l'année 1975, Gainsbourg va beaucoup faire parler de lui en provoquant une nouvelle fois les foudres d'une partie du public et de la critique. Tout d'abord, sort au printemps, l'album "Rock around the bunker", dans lequel Serge Gainsbourg évoque à sa façon, la période nazie. Abordant des sujets ultra sensibles, les titres "Nazi rock" ou "SS in Uruguay" sont ignorés de la plupart des radios, mais comme d'habitude, Gainsbourg est défendu par quelques fidèles qui avant de voir en lui un provocateur, préfèrent reconnaître son talent.

    Suite à cet album, sort celui de Jane Birkin, "Lolita go home". Puis, en septembre, démarre le tournage du film "Je t'aime moi non plus" dans le sud de la France. Pour sa première réalisation (dédiée à Boris Vian), Serge Gainsbourg fait preuve, comme pour la musique et la chanson, d'un style inédit. Entouré de Jane Birkin et de l'Américain Joe Dalessandro (et même de Gérard Depardieu dans un rôle de figuration), Gainsbourg conte une histoire d'amour entre un homme et une jeune femme aux allures de garçon. Lors de sa sortie en mars 76, la plupart des critiques éreintent le film, mais quelques journalistes évoquent une comparaison avec le cinéma américain "underground" et louent la performance de Jane Birkin. Le réalisateur François Truffaut donne même un avis fort élogieux lors d'un entretien à la radio. Ce film, qui est sans doute le meilleur de Serge Gainsbourg en tant que réalisateur, est aujourd'hui presque devenu un classique. La sortie de la bande originale est simultanée à celle du film.

    Serge Gainsbourg, qui ne vend toujours pas beaucoup de disques, commence à réaliser des films publicitaires dont certains resteront fameux tels ceux pour "le savon des stars" qu'il réalise avec entre autres Marlène Jobert, et bien sûr, Jane Birkin. En 1976, Serge Gainsbourg enregistre un nouvel album, "L'homme à la tête de chou" qui sort en janvier 77. Comme pour "Melody Nelson", Gainsbourg retrouve les compliments de la critique. A l'époque du disco et du mouvement punk, Gainsbourg survole les modes ou s'en sert si elles l'intéressent. Dans cet album, Gainsbourg innove à nouveau en utilisant des rythmes reggae, encore méconnus en Europe ("Marylou reggae"). Cette année-là, il signe en outre quelques musiques de films, plutôt érotiques ("Madame Claude", "Goodbye Emmanuelle"). Il rencontre également Alain Chamfort, et lui écrit un album, "Rock'n'Rose", qui sort le chanteur de son image de "minet".

    L'année 78 est marquée par un nouvel album pour Jane Birkin, "Ex fan des sixties", et par la musique du film "Les Bronzés" écrit par la troupe du Splendid, et dont le titre "Sea Sex and Sun" devient le tube de l'été.

    Serge Gainsbourg, qui souhaite continuer à travailler sur des rythmes reggae, fait appel en 1979 aux meilleurs musiciens jamaïcains, et en particulier à la section rythmique du chanteur Peter Tosh, soit Sly Dunbar, Robbie Shakespeare et Sticky Thompson, ainsi qu'aux choristes de Bob Marley dont sa femme Rita. Il part donc à Kingston, en Jamaïque, et en moins d'une semaine, naît un album qui sort en avril 1979. Nouveau succès avec ce disque qui en quelques mois, se vend à plus de 300.000 exemplaires. Outre une reprise reggae de "la Javanaise", c'est le titre "Aux armes et cætera" qui fait le plus parler de lui. Version de l'hymne national français, "la Marseillaise", revue et corrigée à la sauce jamaïcaine, ce titre va provoquer des émois parmi les plus patriotes habitants du pays, et en particulier dans l'armée. Cependant, "Aux armes et cætera" devient un tube et inonde les radios pendant de nombreux mois.

    Serge Gainsbourg avait rencontré en 1978, le groupe de rock Bijou. Après leur avoir écrit quelques titres, Gainsbourg va se laisser convaincre par les trois membres du groupe, de remonter sur scène. C'est donc au Palace, célèbre boîte de nuit parisienne, qu'à lieu ce retour spectaculaire fin décembre 1979. Pendant dix soirées, le Tout-Paris va se mêler à un public nombreux et fort enthousiaste de retrouver Gainsbourg. Suit une tournée triomphale, entrecoupée par des épisodes agités dus à la très controversée version de l'hymne français. Le passage le plus célèbre se joue à Strasbourg où, violemment prit à partie par les parachutistes (un des corps de l'armée française), Gainsbourg n'hésite pas à leur chanter une version tout à fait classique de "La Marseillaise". Serge Gainsbourg, qui n'avait pas cherché à choquer en adaptant l'hymne français, s'était senti très blessé des nombreuses attaques dont il avait été victime.

    Au printemps 1980, Serge Gainsbourg rajoute une corde à son arc en publiant un ouvrage, "Evguénie Sokolov". En août 1980, Jane Birkin quitte Serge Gainsbourg. La rupture est douloureuse de part et d'autre, mais Gainsbourg, plus que jamais excessif en tout, avait fini par lasser sa compagne. C'est à cette époque que le personnage de "Gainsbarre" va prendre le pas sur Gainsbourg. Naviguant entre désespoir et alcool, Serge Gainsbourg va cependant continuer à travailler d'arrache-pied. Après un album pour Jacques Dutronc, "Guerre et pets", il écrit la musique du film de Claude Berri, dans lequel il joue, "Je vous aime". Le rôle principal est tenu par Catherine Deneuve, pour qui il va écrire un titre qu'il interprétera avec elle, "Dieu est un fumeur de havanes". L'année suivante, il lui écrit un album entier, "Souviens-toi de m'oublier".

    En 1981, Gainsbourg écrit pour un de ses plus grands fans, le chanteur Alain Bashung, l'album "Play Blessures". Puis en novembre, sort son propre album, "Mauvaises nouvelles des étoiles", enregistré à Nassau aux Bahamas avec à nouveau Robbie Shakespeare et Sly Dunbar. Cette année-là, il fait la rencontre de Bambou, jeune eurasienne de 21 ans, qui devient sa compagne.

    En décembre 81, lors d'une vente aux enchères, Gainsbourg acquiert le manuscrit original de l'hymne national français, "la Marseillaise" de Rouget de Lisle, dont le titre original est en fait "Chant de guerre de l'armée du Rhin". En 82, outre des chansons pour Julien Clerc ou pour la Québécoise, Diane Dufresne, Gainsbourg commence à écrire un scénario qu'il compte tourner avec le comédien Patrick Dewaere, projet annulé après le suicide de ce dernier en juillet. Il engage alors Francis Huster et part réaliser son deuxième film, "Equateur", dans la jungle tropicale du Gabon. Le tournage est difficile et la présentation du film à Cannes en mai 83, fort chahutée. Sorti en août, "Equateur" est un échec public et critique.

    Déprimé, Serge Gainsbourg écrit en quelques semaines un album pour la comédienne Isabelle Adjani, et un album pour Jane Birkin, "Baby alone in babylone" considéré comme le plus beau qu'il ait écrit pour elle. Les deux sont des succès et obtiennent des disques d'or.

    Durant les années 80, Serge Gainsbourg réalise de très nombreuses publicités dont certaines font encore date. En avril 1984, Serge Gainsbourg s'envole pour New York pour enregistrer un album au son radicalement différent. Il s'attaque cette fois au funk, et en particulier au funk new-yorkais. Entouré de musiciens et d'un producteur américain, il se sent très heureux pendant ce séjour dans la cité cosmopolite. En une semaine, il enregistre l'album "Love on the beat", qui sera la première plus grosse vente de sa carrière. Au milieu des huit titres du disque, se détache un duo qu'il a enregistré avec sa fille, Charlotte, "Lemon Incest".

    Le 16 mars 1985, disparaît la mère de Serge Gainsbourg, Olia. En septembre 85, Serge Gainsbourg remonte sur scène, au Casino de Paris, accompagné de musiciens et de choristes américains qui ne le quitteront plus désormais. Ovationné par le public, Gainsbourg atteint dans les années 80 une notoriété bien supérieure à ce qu'il avait connu jusqu'alors. Ses provocations publiques n'y sont pas pour rien, notamment lorsqu'en mars 84, il brûle un billet de 500 francs au cours d'une émission de télévision en direct ("7 sur 7") regardée par un public très large et populaire. En revanche, lors d'une autre émission de télé ("le Jeu de la vérité") en juin 85, il signe en direct un chèque de 100.000 francs au profit de Médecins sans Frontières.

    Le 5 janvier 1986, sa compagne Bambou, donne naissance à un petit garçon, qu'ils nomment Lucien. Le metteur en scène, Bertrand Blier fait appel à lui pour écrire la musique du film "Tenue de Soirée". Mais 1986 est surtout marqué par l'album et le film que Gainsbourg écrit pour Charlotte, "Charlotte forever". En 1987, Jane Birkin sort un nouvel album, "Lost Songs", signé Gainsbourg, qui sort son propre album quelques temps plus tard, "You're under arrest". Enregistré dans les mêmes conditions que le précédent, l'album renferme une reprise rap et masculinisée de "Mon légionnaire", célèbre titre de la chanteuse Edith Piaf.

    Pendant sept soirées, Gainsbourg retourne sur scène, cette fois au Zénith de Paris, en mars 88. Ses spectacles sont grandioses malgré sa santé de plus en plus fragile. Serge Gainsbourg a 60 ans, et les excès accompagnés de plusieurs alertes cardiaques commencent à avoir raison de lui. Son moral est faible, et plus rien ne parvient vraiment à le motiver. En juillet 88, il est invité au Festival des Francofolies de la Rochelle, puis à Montreux en Suisse.

    Il écrit un album pour Bambou, "Made in China", mais c'est un échec. Le 14 avril 1989, il subit une intervention chirurgicale du foie, et arrête l'alcool sur la demande insistante des médecins qui lui font comprendre qu'il est en sursis. En septembre 1989, paraît une intégrale en neuf disques compact, de l'oeuvre de Serge Gainsbourg. Dans les mois qui suivent, il écrit le scénario de son quatrième film, "Stan the flasher". Cette histoire d'un professeur qui tombe amoureux d'une de ses élèves, est interprétée par le réalisateur, Claude Berri. A sa sortie en mars 90, le film recueillera des critiques plutôt bonnes, et sera vu par environ 60.000 personnes.

    En 1990, Serge Gainsbourg écrit tout un album pour Vanessa Paradis, l'interprète du célébrissime "Joe le taxi". Il se livre également à un exercice inattendu en écrivant un titre pour le grand prix de l'Eurovision de la chanson. Interprétée par la guadeloupéenne Joëlle Ursull, la chanson "White and black blues" remporte le second prix du concours.

    Puis, comme un adieu, il signe son dernier album pour Jane Birkin, "Amours des feintes". La pochette, représentant une Jane Birkin triste, est dessinée par l'auteur, qui à cette époque, pensait sérieusement se remettre à la peinture. Dans les derniers mois de sa vie, Serge Gainsbourg sort peu de son domicile dont les façades sont recouvertes d'innombrables graffitis à la gloire de l'artiste.

    Le samedi 2 mars 1991, Bambou découvre son compagnon inanimé dans sa chambre, terrassé par une ultime crise cardiaque. Pendant plusieurs jours, les hommages se multiplient et le public ne cesse de défiler devant le domicile de l'artiste. Finalement très aimé, Serge Gainsbourg fait l'unanimité. La plupart des journaux et magasines font leur Une avec des portraits du chanteur. Ses obsèques au cimetière Montparnasse attirent une foule immense. Catherine Deneuve y lit les paroles de la chanson "Fuir le bonheur de peur qu'il ne se sauve".

    Quelques semaines plus tard, Jane Birkin monte sur la scène du Casino de Paris, pour une série de concerts prévus bien avant le décès. Longtemps décrié, mais toujours admiré, Serge Gainsbourg aura toute sa vie cachée derrière son cynisme, une lucidité désespérée et surtout une grande pudeur. Lui qui considérait la chanson comme un "art mineur", il laisse un répertoire d'une richesse incroyable. Ses titres sont repris en permanence (Jimmy Somerville, FFF, Pulp, Donna Summer, etc), et les textes de certaines chansons sont même étudiés dans les écoles ("La chanson de Prévert)

    En septembre 1994, Jane Birkin donne un concert hommage au Savoy Theatre de Londres. Et en mars 1997, un coffret rétrospective de trois disques compact sort aux Etats-Unis. L'accueil de la presse est unanimement élogieux. Jane Birkin qui ne peut décidément pas se soustraire à l'influence de Serge Gainsbourg, sort en octobre 2002 "Arabesque", un album reprenant certains succès de l'artiste avec des arrangements arabisants. Elle donne aussi à cette occasion une série de concerts. Le 8 mars 2003, la ville de Clermont-Ferrand rend hommage à Gainsbourg en inaugurant une rue à son nom, la première du genre en France.



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  • Charlie Chaplin
    ( 1889-1977 )



     BIOGRAPHIE



    Sir Charles Spencer dit Charlie Chaplin est né le 16 Avril 1889 (quatre jours avant Hitler, avait-il fait spécifier à un journaliste) dans East Lane à Walworth, Londres ( quartier pauvre ). Mais selon des "spécialistes" de Chaplin, « il n'existe aucun acte de naissance, ni extrait de baptême » prouvant les faits de ce que Chaplin dit lui-même. Un mystère plane donc sur ses origines...

    Son père, Charles Senior, chanteur de music-hall, était connu pour sa voix de baryton. Grand buveur, il mourut à l'âge de 37 ans d'une cirrhose du foie.
    Chaplin en parlant de lui, dira qu'il ne l'a presque pas connu mais aura remarqué son côté silencieux et mélancolique.

    Sa mère, Hannah Hill, possédait elle aussi la passion de la scène. Grande danseuse d'opérette ou actrice, elle paraissait sous le nom de Lily Harley ( Chaplin aimait beaucoup sa mère ).


    La 1ère apparition de Charlie sur scène date de ses 5 ans lorsque sa mère au cours d'une représentation perdit la voix. Sous les huées du public, Charlie décida de prendre la relève. Ce qui n'empêcha pas le renvoi de sa mère.
    Chaplin aimait beaucoup sa mère. Il raconte dans sa biographie qu'un soir, Hannah perdit la voix alors qu'elle chantait. Le public la hua et Charlie voyant cela, décida de prendre la relève. Il n'avait que 5 ans et ce fut pour lui sa première prestation et pour sa mère, la dernière. Se retrouvant donc sans ressources seule avec ses deux enfants (Charlie et Sydney) en plus d'une santé déclinante, «elle fut admise au dispensaire en juin 1894 et ses deux enfants furent confiés à l'Assistance publique, qui les plaça à l'école de Hanwell... ». Plus tard, alors que Chaplin sera sous le signe de la gloire, elle viendra habiter près de chez lui dans la région californienne et elle y restera jusqu'à sa mort le 28 août 1928.

    Hannah eut trois fils mais de pères différents. Le plus vieux, Sydney, dont on ignore le nom de son père biologique, et Charlie (le deuxième) ont vécu ensemble à peu près les mêmes événements: l'école Hanwell, déménagent souvent, commencent à travailler jeunes et la troupe de théâtre de Fred Karno. Né le 6 août 1885, Sydney deviendra plus tard, "le bras droit" ou conseiller de son jeune frère. Le troisième fils d'Hannah ne vivra pas parmi eux. Six mois après sa naissance, Wheeler Dryden né le 31 août 1892, fut enlevé par son père. En 1917, cependant, il deviendra un employé permanent du studio de Chaplin.



    Quand Hannah perdit son emploi, il fut contraint d'accepter son sort, même s'il éprouvait de la honte d'aller à l'hospice et ce malgré son jeune âge. Ce fut pour lui toute une épreuve que de quitter sa mère.

    Quelques semaines après l'hospice, il fut transféré à l'école de Hanwell pour les orphelins et enfants abandonnés. Il y restera environ un an avant que sa mère revienne chercher lui et Sydney. Il continua tout de même ses études jusqu'à ce qu'il rentre dans une troupe de danseurs à claquettes : Les Huits Gars du Lancashire. Il y restera pendant quelques temps. Plus tard, sa mère retourna à l'hospice, laissant son fils seul alors que Sydney s'était engagé dans la marine. Il a fallu qu'il se débrouille seul pour subvenir à ses besoins. En 1908, il signe un contrat avec Fred Karno pour être dans sa troupe de théâtre. C'est grâce à son frère si celui-ci s'engage. Après plusieurs emplois et plusieurs troupe de théâtres que Chaplin a fait, Fred Karno, qui était un nom connu au-delà des frontières de l'Angleterre, lui donne l'occasion de se faire connaître. Et ce jeune homme de 19 ans devint une vedette. Il a joué dans plusieurs sketchs et pièces de théâtre.

    Après une première tournée aux États-Unis, il s'y installa en 1912. Chaplin apparut pour la première fois à l'écran en 1913 dans une production de la Keystone Film Company sous la direction de Mack Sennett.

    Il créée le personnage mondialement célèbre de Charlot dans le film Charlot est content de lui (Kid Auto Races at Venice, 1914) de Henry Lehrman.


    Très vite, il devint lui-même réalisateur et, reprenant le personnage de Charlot, il le mit en scène dans plus de 70 films parmi lesquels le Vagabond (The Tramp, 1915). Successivement associé à diverses sociétés de production (la Essanay Film Company, la Mutual Film Company et la First National Film Company), il finit par créer son propre studio à Hollywood, en 1918. Chaplin développa progressivement son personnage, passant du stéréotype enjoué et bouffon à un personnage de plus en plus complexe qui, tout en restant comique, prit une dimension mélodramatique. En 1919, il fonda avec D.W. Griffith, Douglas Fairbanks et Mary Pickford, la société de production United Artists Corporation, et en fut membre jusqu'en 1952. Parmi ses très nombreux films, on peut citer le Gosse (The Kid, 1921), le Pèlerin (The Pilgrim, 1923), la Ruée vers l'or (The Gold Rush, 1925), le Cirque (The Circus, 1928), les Lumières de la ville (City Lights, 1931), les Temps modernes (Modern Times, 1936), le Dictateur (The Great Dictator, 1940), Monsieur Verdoux (1947), Limelight (1952) et Un roi à New York (A King in New York, 1957). Son dernier film, la Comtesse de Hong Kong (A Countess from Hong Kong, 1967), en couleurs, reste très peu connu. Il composa en outre la musique de la plupart de ses films.

    Chaplin affina constamment son jeu d'acteur en s'inspirant du mime et du clown, alliant une grâce acrobatique, des gestes expressifs et une grande éloquence faciale. Son rôle de Charlot, symbole de l'individualité triomphante contre l'adversité et la persécution, a fait de lui une sorte de tragi-comédien. L'avènement du cinéma parlant allait à l'encontre de son style, de l'efficacité de la pantomime dont dépendait son imagination créative. Il ne produisit que peu de parlant.



    Ses films prirent peu à peu une dimension politique ! Encore absente des Lumières de la ville, elle fut manifeste dans les Temps modernes où il fait une description virulente du travail à la chaîne. Dans ces deux premiers parlants, Charlot reste cependant silencieux. Abandonnant par la suite le personnage du vagabond, il endossa des rôles différents. Marquant cette transition, le Dictateur, véritable pamphlet anti-hitlérien, utilise toutes les ressources du parlant. Chaplin traita ses sujets en mélangeant satire et pathétique, et en révélant un amour de l'humanité et de liberté individuelle.


    En 1947, Chaplin fut accusé de sympathies communistes par la Commission des activités anti-américaines. L'hostilité à son égard ne désarma pas et, en 1952, il quitta les États-Unis pour l'Europe. Un roi à New York, tourné en Grande-Bretagne en 1957, contient une violente condamnation de l'obscurantisme du maccarthysme. Installé en Suisse, il ne retournera qu'une seule fois aux États-Unis pour y recevoir un oscar récompensant sa contribution à l'industrie cinématographique. Il fut anobli par la reine d'Angleterre en 1975. Il mourut le 25 décembre 1977, à Corsier-sur-Vevey, en Suisse.


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